На информационном ресурсе применяются рекомендательные технологии (информационные технологии предоставления информации на основе сбора, систематизации и анализа сведений, относящихся к предпочтениям пользователей сети "Интернет", находящихся на территории Российской Федерации)

СПБ-78

413 подписчиков

Прадо в Эрмитаже. Часть вторая: парад живописцев

Материал взят с ресурса Интернет-журнала Петербургские старости. http://spbstarosti.ru/

Как уже говорилось ранее, коллекция музея Прадо сформировалась во многом благодаря личным предпочтениям монархов. Прадо «скорее музей живописцев, чем музей живописи», — заметил французский писатель Теофиль Готье. Специфика собрания состоит в том, что здесь может быть довольно широко представлен один художник, и вовсе отсутствовать другой: так, например, в Прадо нет ни одной работы Леонардо да Винчи, зато есть практически все выдающиеся представители национальной школы живописи. Помимо испанских художников, в Прадо также можно познакомиться с полотнами итальянских, нидерландских, французских и немецких живописцев. Далее будем рассматривать картины в соответствии с этой классификацией.

ЖИВОПИСЬ ИСПАНИИ

Со второй половины XVI века и вплоть до начала XIX века испанские художники состояли на службе короля – этим и объясняется подавляющее преобладание картин национальной живописной школы в коллекции Прадо. Помимо королей крупным заказчиком являлась также церковь, интересы которой были сосредоточены в основном на работах религиозного жанра. В отличие от Нидерландов, где на произведения живописи существовал массовый спрос, или Италии и Франции, где было много частных заказчиков, живопись Испании очень долгое время оставалась отрадой для замкнутого круга ценителей. Сегодня же и мы можем приобщиться к искусству ведущих испанских мастеров.

Доменикос Теотокопулос (1541—1614) был испанским художником греческого происхождения, и всегда подписывал свои картины только этим именем. Прозвище «Эль Греко» художник получил, работая в Венеции. Вытянутые пропорции фигур – узнаваемая черта живописи Эль Греко. Его искусство оказалось не оцененным в столичном Мадриде, и свой творческий путь он продолжил в Толедо.


Эль Греко
Христос, обнимающий крест
1600—1605

В картине на тему мученичества Христа художник показывает Иисуса не страдающим, как это было принято традиционно, а просветленным и освободившимся от всего земного. Выразительность лицу придают огромные глаза, переполненные тяжелыми слезами и устремленные к небесам. Ромбовидный нимб, острые шипы терна, беспокойные складки одежды придают и без того необычному образу еще большую одухотворенность. Крест в руках Спасителя не давит своей тяжестью, а, наоборот, кажется совершенно легким. Прижавшись к нему щекой, Иисус словно играет на музыкальном инструменте, перебирая невидимые струны своими тонкими пальцами. И сама картина, словно натянутая струна, подчинена нервному, доведенному до высшей степени ожиданию чуда: вслед за казнью наступит Воскресение…


Эль Греко
Святое семейство со святой Анной и маленьким Иоанном Крестителем
1600—1605

Даже столь радостная и мирная сцена как «Святое семейство» не лишена для Эль Греко драматизма и мистической атмосферы. Близкое расположение фигур и направление взглядов персонажей делает эту композицию замкнутой в самой себе, а отсутствие пейзажа и лишних деталей обстановки не дает взгляду вырваться за пределы этой таинственной замкнутости. Поза младенца Иисуса на коленях Девы Марии более характерна для сцены оплакивания, а говорящий жест маленького Иоанна Крестителя призывает к молчанию и указует в небо одновременно — все это приемы, которыми художник предрекает грядущую судьбу пока еще только родившегося младенца.

Хуан Санчес Котан (1561—1627) стал одним из первых среди выдающихся живописцев, кто посвятил свое творчество натюрморту. Монах-картезианец, сформировавшийся в художественной атмосфере Толедо с ее мистической одухотворенностью, он любил рисовать фрукты и овощи в перспективной коробке


Хуан Санчес Котан
Натюрморт с дичью, овощами и фруктами
1602

Испанский натюрморт призывает к созерцанию и уединению. Это целый мир, наполненный молчаливыми персонажами в остановившемся мгновении. Реальность всех этих предметов – овощей, фруктов и дичи – настолько велика, что кажется, что их можно взять в руки. Рассматривая картину Котана, не хочется называть ее натюрмортом (фр. nature morte – «мёртвая натура»). Этому произведению больше подходит другой термин — «тихая жизнь» (нем. «Stilleben»), родившийся как раз в XVII веке, когда художники называли свои творения «одушевлением умолкнувшей жизни». Еще более полному пониманию картины соответствует испанское изречение: «Бог может войти даже в глиняный горшок».

Хуан Баутиста Майно (1581—1649) учился в Италии, брал уроки у Аннибале Карраччи, дружил с Гвидо Рени и даже успел создать ряд полотен для доминиканского монастыря Святого Петра в Толедо. Но в дальнейшем художник отказался от блестящей карьеры живописца, приняв монашеский сан как раз в том самом монастыре Святого Петра, для которого он и писал картины.


Хуан Баутиста Майно
Поклонение пастухов
1612—1614

Серия работ для церкви доминиканского монастыря Святого Петра включала четыре картины: «Поклонение пастухов», «Поклонение волхвов», «Воскресение» и «Троица» — первая из них представлена на выставке. Картина когда-то была частью большого алтаря, о чем говорит ее удлиненный формат и высокая линия горизонта. Ступенчатая композиция служила иллюзией плавного перехода реального пространства храма в трехмерный мир живописи. Сама манера Майно с ее доскональной точностью воспроизведения действительности настолько необычна, что позволяет проводить аналогии с таким современным направлением в искусстве как гиперреализм.

Хусепе Рибера (1591—1652) большую часть своей жизни провел в Неаполе, где и получил прозвище Спаньолетто (маленький испанец, «испанчик») за свое происхождение и невысокий рост. Последние годы жизни художник прожил отшельником, из-за болезни мало работал, умер в нищете, и могила его не сохранилась. Имя Риберы стало широко известно благодаря Веласкесу, который привлек внимание короля Филиппа IV к наследию этого живописца.


Хусепе де Рибера
Святой Рох
1631

Согласно легенде, Святой Рох жил на рубеже XIII-XIV веков и во время эпидемии чумы много странствовал, помогая бедным и больным. Когда он сам заболел и ослаб, то только верный пес приносил ему еду, помогая выжить. Исцелившись, Рох вернулся в родной город, но жители приняли его за бродягу и бросили умирать в тюрьму. Рибера очень правдоподобно трактует фигуры Святого и собаки, используя сильные светотеневые контрасты. Такое решение дает повод довольно неоднозначно трактовать этот образ и даже говорить о демонических «мефистофельских» чертах Святого Роха в картине Риберы.


Хусепе де Рибера
Исаак, благославляющий Иакова
1637

Библейская история гласит, что Исав и Иаков были братьями-близнецами, но младший из них, родившись всего на несколько минут позднее, ни в чем не хотел уступать старшему, и даже благословение отца ему удалось заполучить первым. Рибера средствами живописи рассказывает эту историю очень жизненно и наглядно. На картине показан момент, когда уже старый и слепой Исаак пытается опознать своего старшего сына Исава, но вместо него мы видим младшего Иакова, подбадриваемого хитрой матерью. Она обмотала ему руку козлиной шкурой, ибо был «Исав... человек косматый», а престарелый отец уже готов дать свое благословение в то время, как ничего не подозревающий об обмане Исав только-только возвращается с охоты. Руки в этой сцене играют особую роль, отражая настроения и чувства героев: кисть Иакова в страхе разоблачения кажется безвольной, пальцы отца изучают руку сына, а жест матери полон нетерпения и одобрения одновременно.

Франсиско Сурбаран (1598—1664) — виртуозный мастер передачи натуры. Одна из легенд гласит, что в детстве он был пастухом и рисовал на коре окрестных деревьев. Проезжавший мимо богатый сеньор удивился его дарованию и увез учиться в Севилью, где художник смог развить и усовершенствовать свое мастерство.


Франциско де Сурбаран
Агнец божий
1635

Особенно хорошо Сурбарану удавались изображения животных. Агнец является общепризнанным символом жертвы Христа во имя человечества, а картины с изображением агнца предназначались для поднесения в храм в качестве священной жертвы-символа. В этом произведении Сурбаран предельно реалистично изобразил ягненка с перевязанными ногами, тщательно вырисовав каждый завиток его шерстки. Такая живопись, столь близко граничащая с реальностью, позволила современникам говорить о том, что «мало кто пишет религиозные композиции с таким благочестием, как Сурбаран».


Франциско де Сурбаран
Распятие с донатором
1640

Педро Вильянуэва, занимавшийся раскраской деревянной скульптуры, был одним из первых учителей Сурбарана, и его уроки не прошли для художника бесследно. Картина «Распятие с донатором» отличается скульптурностью фигуры Христа и детальной проработкой каждой складки его набедренной повязки. Портрет донатора – заказчика этой картины – с его устремленным на зрителя взглядом, молитвенно сложенными руками и лицом в резкой светотени считается одной из вершин творчества Сурбарана.

Антонио Переда (1611—1678) – художник, которого смело можно назвать певцом темы «ванитас» (лат. Vanitas — «суета, тщеславие»). Многие картины мастера заставляют задуматься о бренности и скоротечности земного существования.


Антонио де Переда-и-Сальгадо
Святой Иероним
1643

На картине отшельник представлен в соответствии с его традиционной иконографией. Как известно, Иероним был первым переводчиком книг Ветхого Завета с древнееврейского на латинский язык, в результате чего его постоянными атрибутами стали книга и чернильница – символы литературных трудов. Череп символизирует бренность всего живого, а трубный глас в левом верхнем углу предвещает конец света. Тема апокалипсиса перекликается с гравюрой на странице раскрытой книги – это «Страшный суд» Дюрера. В руках Иеронима самодельный деревянный крест, в углу – камень, которым отшельник бил себя в грудь, спасаясь от дьявольских искушений и бесовских видений.

Алонсо Кано (1601—1667) учился в мастерской Веласкеса, благодаря которому и был приглашен к мадридскому двору. Кано также занимался скульптурой, и его интересы сводились к точной анатомической передаче тела, классическим образам, изображению мужской обнаженной фигуры в традициях Микеланджело.


Алонсо Кано
Мертвый Христос, поддерживаемый ангелом
1646—1652

Спокойная уравновешенная композиция этой картины резко выделяется среди религиозных и набожных произведений других испанских художников на ту же тему. Каноны итальянского искусства намного ближе Алонсо Кано, а оттенки венецианского колорита заметны в передаче снежно-белых одеяний и красноватых отблесков фона. Поток серебристого света падает на безмятежно-прекрасное тело Христа, выделяя его фигуру на темном фоне и отражаясь у ног в металлическом сосуде с шипами, гвоздями и губкой – символами распятия.

Бартоломе Эстебан Перес Мурильо (1617—1682)родился в Севилье, организовал в родном городе Академию художеств, став ее президентом. В творчестве тяготел к идеализированным сентиментальным образам, проникнутым тонким лиризмом.


Бартоломе Эстебан Мурильо
Богоматерь с четками
1650—1655

Прожив всю свою жизнь в Севилье, Мурильо при этом умел чутко реагировать на все новации в искусстве. Так, используя классическую композицию и традиционное расположение фигур, он передает удивительную гармонию нежных отношений между матерью и сыном, и благодаря этим тончайшим оттенкам чувств почерк Мурильо не спутаешь с другим художником.


Бартоломе Эстебан Мурильо
Добрый пастырь
1655—1660

Сюжет восходит к словам Иисуса: «Я есть пастырь добрый», а притча о заблудшей овце гласит: «Если бы у кого было сто овец, и одна из них заблудилась, то не оставит ли он девяносто девять в горах и не пойдет ли искать заблудившуюся?». Живописное решение этого сюжета у Мурильо воспринимается, скорее, как милая пасторальная сценка, нежели религиозная картина. Во всяком случае, в мальчике очень мало божественной сути, зато он полон непосредственного очарования. Детские образы – это лучшее в творческом наследии Мурильо, и не исключено, что моделями ему служили обыкновенные севильские ребятишки.

Клаудио Коэльо (1642—1693) – мадридский художник, стремившийся к декоративной пышности, динамизму, эффектной театрализации и богатству цветовых решений.


Клаудио Коэльо
Святой Доминик де Гусман
1675

Доминик де Гусман основал духовно-католический орден доминиканцев. Название ордена произошло от имени святого, которое созвучно с латинским словосочетанием domini cani, что переводится как «псы Господни». Игра слов привела к тому, что эмблемой ордена стала собака с зажженным факелом в зубах. Доминик считается изобретателем четок – на картине они видны как часть его традиционного доминиканского одеяния: белой туники и черного плаща с капюшоном. Святой держит в руке увенчанное крестом древко, а в другой руке у него Евангелие и белая лилия — знак целомудрия. Согласно легенде Святой Доминик явился во сне Папе Римскому, держа в руках храм, после чего тот и дал разрешение на основание ордена — отражением этой легенды на картине служит пышный архитектурный фон.

Хуан Карреньо де Миранда (1614—1685) был учеником Веласкеса и мастером официального парадного портрета при дворе Карла II. Миранда писал короля и его домочадцев, а также придворных и высокопоставленных лиц.


Хуан Карреньо де Миранда
Портрет русского посла Петра Потемкина
1681

На Руси, как известно, портретная живопись получила распространение лишь при Петре Великом, а существовавшая в XVII веке «парсуна» была далека от реалистического совершенства, так что картина Миранды – это редчайшая возможность увидеть русского боярина допетровского времени. Петр Иванович часто выполнял дипломатические поручения при царе Алексее Михайловиче, а затем при Федоре Алексеевиче: бывал во Франции, Англии и Испании. Во время одной из таких поездок и был написан этот портрет. В традиционной древнерусской одежде, расшитой золотом, мехом и драгоценными камнями, он стоит в полный рост с жезлом в руке. Но этот замечательный во всех отношениях портрет был бы далеко не полным без воспоминаний самого Потемкина о пребывании в Испании: «В Ишпанском Государстве великородные и всяких чинов люди платье носят черное, строеньем особым при иных землях. Они же носят при себе по две: шпаги одна мерная добре, а другая короткая, и ту шпагу короткую скрыто носят. Во нравах своеобычны, высоки. Большая часть их ездят в каретах. Неупьянчивы: хмельного питья пьют мало, и едят по малуж. В Ишпанской земле будучи, Посланники и все Посольские люди в шесть месяцев не видали пьяных людей, чтоб по улицам валялись, или идучи по улицам, напився пьяны, кричали».

Хуан де Арельяно (1614—1676) прославился своими картинами с изображением цветов. Обратившись к этой теме уже в зрелом возрасте, он поначалу подражал фламандским живописцам, но со временем выработал свою индивидуальную манеру.


Хуан де Арельяно
Корзина цветов
1670

Характерные особенности испанского натюрморта — затемнённый фон и продуманная уравновешенная композиция. Художник тщательно вырисовывает каждый листок и лепесток, а изображения жучков и бабочек дают возможность почувствовать «тихую жизнь» цветов. По мнению некоторых исследователей, в картине даже присутствует аллегорическая трактовка жизненного цикла: дневные и ночные бабочки символизируют время суток, растения в освещенной части картины достигли пика своего цветения, а те, которые в тени, медленно увядают…

Луис Мелендес (1716—1780) – еще один выдающийся мастер испанского натюрморта. Его живопись сформировалась под влиянием жанра бодегонес, изображавшего жизнь простолюдинов и сцены приготовления пищи.


Луис Мелендес
Натюрморт с коробкой сладостей, кренделем и другими предметами
1770

Натюрморт поражает сверхъестественным правдоподобием изображенного: свежая хрустящая корочка хлеба в белой салфетке так и манит своим ароматом, в бочонке охлаждается какой-то напиток (возможно, вино), для которого уже приготовлен стеклянный стакан на серебряном подносе – все это настолько реально, что кажется почти осязаемым.


Луис Мелендес
Натюрморт с куском лосося, лимоном и тремя сосудами
1772

Второй натюрморт Мелендеса на выставке не менее искусен: ломоть сочного лосося на фоне кухонной утвари говорит о том, что скоро будет приготовлен обед. К рыбе принято добавлять лимон, который делает вкус блюда еще богаче; и на картине, словно в кулинарии, лимон служит подходящим аккомпанементом к лососю. Художник умеет обмануть и глаза, и желудок – при виде всего этого великолепия невольно возникают мысли о вкусной еде.

Антонио Карнисеро (1748—1814) — превосходный портретист, иногда обращался к жанровой живописи, а также писал пейзажи. Элементы всех трёх жанров можно найти на представленной картине.


Антонио Карнисеро
Подъем шара Монгольфьера в Аранхуэсе
1784

Художник запечатлел самый первый в Испании полет на монгольфьере, совершенный французом Букле 5 июня 1784 года. Мастерски передана многофигурная композиция, обилие света и волнующая атмосфера. А момент и правда волнующий, потому что этот полет нельзя было назвать удачным: аппарат потерял управление, шар рухнул на землю, и лишь по счастливой случайности воздухоплаватель остался жив.

Франсиско Хосе де Гойя (1746—1828) — живописец, рисовальщик и гравер. Творчество Гойи, полностью свободное от условностей, с трудом поддается какому-либо определению. Его произведения отличаются новаторством, реализмом, страстной эмоциональностью, остротой характеристик, фантазией и даже гротеском.


Франсиско Хосе де Гойя -и-Лусьентес
Осень (сбор винограда)
1786—1787

Свою карьеру живописца в Мадриде Гойя начинал с рисования картонов для Королевской шпалерной мануфактуры. По рисункам этих картонов ткались шпалеры, которые, в свою очередь, украшали дворцы и резиденции короля. На выставке представлено полотно «Осень. Сбор винограда» из серии «Времена года». Сцена решена в духе рококо с его жизнерадостностью и декоративностью. Главная функция этого произведения – украшать и очаровывать, радуя глаз. Историк искусства Е. Фор так характеризует эту картину: «Здесь есть немного Ватто, немного Тьеполо, немного Рейнолдса» — пожалуй, что лучше и не скажешь.

Луис Парет-и-Алькасар (1746—1797) внес несомненный вклад в европейскую живопись XVIII века своими изящными, небольшими, полными движения и света картинами с изображением событий из жизни испанского общества.


Луис Парет-и-Алькасар
Портрет жены художника Марии де лас Ньеми Микаэлы Фурдинье
1785

Убедиться в том, что творчеству Парета свойственна особая изысканность образов, можно благодаря портрету его молодой супруги. Жена художника одета по французской моде, в сложную прическу вплетен букетик цветов, на коленях лежит музыкальная шкатулка — на звук ее мелодии прилетела маленькая птичка. Все происходящее предстает зрителю, словно в окне, раму которого овивают цветы. Подпись на древнегреческом языке содержит посвящение изображенной даме. Этот камерный интимный портрет вполне отвечает духу женственного рококо.

Висенте Лопес Портанья (1772—1850) стал одним из самых знаменитых испанских портретистов своего времени. Для его творчества характерна слегка неестественная сглаженная манера и безжалостно-натуралистичная передача образов.


Висенте Лопес Портанья
Портрет Феликса Максимо Лопеса, первого органиста королевской капеллы
1820

Изображение Феликса Лопеса, известного испанского композитора, было заказано художнику сыном музыканта — дарственная надпись на крышке рояля подтверждает этот факт. Феликс Лопес носил звание первого органиста короля, и на портрете он предстает в форме с золочеными галунами на манжетах. Рояль и дирижерская палочка – атрибуты его профессии, а на партитуре в руках музыканта хорошо читаются ноты сочиненной им оперы «Безрассудство, или Безумный поступок».

Хосе де Мадрасо (1781 –1859) был учеником Жака-Луи Давида — мастера французского неоклассицизма — и вошёл в историю как первый художественный директор музея Прадо.


Хосе де Мадрасо-и-Агудо
Любовь небесная и любовь земная
1813

Сюжет на тему извечной борьбы между любовью земной (телесной) и любовью небесной (платонической) восходит еще к временам античности. Оба вида любви воплощаются в образе Эрота, один из которых олицетворяет красоту материального мира, а другой несет людям духовность. Оба они сошлись в решающей битве, но целомудрие нельзя победить — и поверженный искуситель уже привязан к дереву, лишившись лука и стрел. Произведение Мадрасо решено в духе неоклассицизма, как по композиции, так и по содержанию: добродетель всецело торжествует.

ЖИВОПИСЬ ИТАЛИИ

Собрание старинной итальянской живописи в Прадо исключительно богато, при этом произведения попадали в музей разными путями. Так, Тициан занял свое достойное место в коллекции благодаря особому расположению Карла V. Много картин было куплено Филиппом IV по совету Веласкеса. Некоторые итальянские художники и сами охотно работали в Испании. В качестве примера можно привести Коррадо Джакуинто или Джованни Тьеполо. На выставке наиболее полно представлены великие мастера XVI века, и несколько меньше – художники XVII и XVIII веков.

Рафаэль Санти (1483—1520) был живописцем и архитектором, являлся одним из крупнейших мастеров Высокого Возрождения. С классической ясностью и возвышенной одухотворенностью он воплотил в своем творчестве жизнеутверждающие идеалы Итальянского Ренессанса.


Рафаэль Санти
Святое семейство с ягненком
1507

Картина изображает отдых святого семейства на пути в Египет. После рождения Иисуса Иосиф и Мария вынуждены были спасаться бегством от разгневанного Ирода, повелевшего истребить всех младенцев. На заднем плане можно разглядеть крошечные фигурки сидящей на ослике женщины с ребенком и мужчины с посохом — так в эпоху Возрождения было принято изображать святое семейство во время странствий. Фигуры первого плана вписаны в прямоугольный треугольник, что создает композиционную гармонию и уравновешенность. Оба родителя с любовью и нежностью смотрят на младенца, однако при всей красоте и утонченности образа Марии, облик Иосифа кажется более интересным и живым: седой согбенный старец, устало опирающийся на деревянный посох, с морщинистым лицом и горестной улыбкой на губах он готов ради Христа на любые лишения…

Тициан Вечеллио (около 1476/77 или 1489/90-1576) был венецианским художником эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Живописец своим творчеством совершил переворот в живописи, отдав первенство мазку, а не рисунку. О нем говорят, что он пишет цветом.


Тициан Вечеллио
Венера с Амуром и органист
1555

 

Тициан создал целую серию подобных этой картине Венер. Первым звеном эволюции стала застенчивая «Венера Урбинская» из галереи Уффици (Флоренция). Позднее художник начинает развивать тему музыки в этом сюжете: на картине из Берлинской галереи присутствует органист, но не в силах играть на музыкальном инструменте, он смотрит на Венеру (бытует мнение, что он похож на «святошу» Филиппа II, для которого и была написана картина). На полотне из Прадо органист по-прежнему не может отвести взгляд от Венеры, но руки его уже начинают что-то наигрывать. И, наконец, на двух вариантах, находящихся в музеях Фицуильям (Кембридж) и Метрополитен (Нью-Йорк), музыкант уже настолько наловчился, что может и на Венеру смотреть, и на лютне играть одновременно. Несмотря на популярность всех этих картин, вразумительной интерпретации сюжета до сих пор не существует. Кто-то видит здесь произведения эротического искусства, кто-то – различные аллегории (зрения, слуха, семейных уз), а кто-то расплывчато определяет эти полотна как «гимн земной жизни и чувственной любви». Иные же предпочитает углубиться в чисто живописные достоинства картин, любуясь знаменитым тициановским колоритом и продуманной многосложной композицией.

Якопо Робусти (1518—1594) по прозвищу Тинторетто, что означает «маленький красильщик», один из ведущих мастеров венецианской школы. В его мастерской висел девиз: «Колорит — Тициан, форма — Микеланджело». Действительно, мастеру в своём творчестве во многом удалось достичь желаемого эффекта, добавив к нему также драматизм раннего барокко и утонченность маньеризма.


Якопо Тинторетто
Женщина, обнажающая грудь
1580—1590


Слева: Мариэтта Робусти (Тинторетта) – Автопортрет (?), ныне находится в музее «Прадо» в Мадриде
Справа: Тинторетто – Портрет Мариэтты Робусти, ныне находится в музее «Прадо» в Мадриде

Личность изображенной на этой картине женщины до сих пор не дает никому покоя. По одной из версий, художник запечатлел венецианскую куртизанку Веронику Франко, которая была не только роскошной женщиной, но и талантливой поэтессой. Другой лагерь исследователей подозревает, что на портрете изображена дочь Тинторетто — Мариетта Робусти, по прозвищу Тинторетта, которая сама была неплохой художницей, и вполне могла позировать отцу во имя высоких идеалов искусства. Так или иначе, внимание к этому полотну еще больше подстегивается не только его живописными достоинствами, но и загадочностью модели.


Якопо Тинторетто
Портрет неизвестного с золотой цепью
1555

Другая работа Тинторетто на выставке – это изображение знатного аристократа. Художник вообще старался свести к минимуму количество лишних деталей на своих портретах, делая главный акцент на лице. Нейтральный фон, скромный чёрный костюм, белые манжеты, и лишь золотая цепь указывает на благородное происхождение модели. Все внимание обращено на лицо, прекрасно переданное художником со всеми его индивидуальными характеристиками.

Паоло Веронезе (Кальяри) (1528—1588) наряду с Тицианом и Тинторетто был одним из самых выдающихся художников Венеции XVI века.


Паоло Веронезе
Кающаяся Мария Магдалина
1583

Этот сюжет является одним из самых распространённых в живописи, создавая обобщённый образ красивой и раскаявшейся грешницы. У Веронезе в соответствии с эстетикой эпохи Возрождения Магдалина показана пышнотелой рыжеволосой венецианкой. На дальнем плане подразумевается пустыня, а череп, книга и распятие служат атрибутами отшельничества. По легенде, Мария провела тридцать лет в пустыне, где она молилась и слушала небесное пение ангелов. Именно этот момент просветления запечатлел мастер, применив свой излюбленный мерцающий колорит. Для живописи Веронезе вообще характерна перегруженность деталями, но здесь композиция максимально проста. Дело в том, что художника одно время подвергли суду инквизиции, где тонко намекнули, что обилие деталей мешает верующим молиться, после чего мастеру пришлось все лишнее в своих картинах свести на нет.

Джованни Франческо Гверчино (Барбьери) (1591—1666)принадлежал к болонской школе живописи XVII века.


Франческо Джованни Гверчино
Кающаяся Мария Магдалина
1645—1649

Другая трактовка образа Марии Магдалины относится к XVII веку. На картине Гверчино предстает уже совершенно иное решение темы, а само полотно отличается иррациональным освещением и мрачным колоритом. Таким образом, на выставке предоставляется счастливая возможность сравнить две картины на довольно таки забавный религиозный сюжет, в котором удивительным образом переплетаются чувственность и набожность. Действительно, «все кающиеся Марии Магдалины – это Венеры в иезуитском стиле»

Микеланджело Караваджо (1573—1610) был реформатором в живописи. Его открытия в области светотеневой моделировки фигур привели к расцвету реалистического искусства в начале XVII века и падению отживавшего свой век маньеризма.


Микеланджело де Караваджо
Давид, победитель Голиафа
1596—1600

Давид, будущий царь Израиля, убил и обезглавил гиганта Голиафа – самого сильного филистимлянина, и эта победа послужила для израильтян сигналом к разгрому вражеского войска. Для картины Караваджо выбирает не триумф победителя, а тихое воцарение смерти. Сосредоточив внимание на трагическом действии, художник выводит мощные фигуры на самый первый план: с небывалой выразительностью и реализмом они выступают из темноты. Тема единоборства и гибели обретает здесь поистине вселенский смысл.

Гвидо Рени (1575—1642) — итальянский живописец эпохи барокко, являлся представителем школы болонского академизма. Его лучшие произведения были выполнены для интерьеров церквей.


Гвидо Рени
Богоматерь с младенцем в кресле
1624—1625

Эта картина также предназначалась для украшения церкви. В работе сочетаются тонкое чувство цвета, ритма и общей гармонии композиции. Полотно было куплено Филиппом IV, но во время французской оккупации в начале XIX века его вывезли во Францию. Позже картина снова вернулась в Испанию.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696—1770) — венецианский живописец, рисовальщик и гравёр, создавший величественный и непринуждённый, декоративно-пышный и утончённо-элегантный стиль. Закончил свой жизненный и творческий путь в Испании.


Джованни Баттиста Тьеполо
Явление трех ангелов Аврааму
1768—1769

По библейскому преданию Авраам встретил трех странников, которые предсказали, что его жена, престарелая Сарра, родит ему сына. И тогда Авраам понял, что это сам Бог явился ему в облике трех ангелов. На картине представлен тот момент, когда ангелы открывают Аврааму свою истинную божественную сущность. Произведение поражает неожиданными ракурсами и пространственной динамикой, живописной легкостью и свободой, тонкостью световоздушных эффектов и прозрачностью мягких красок.

Коррадо Джакуинто (1753—1762) — утонченный итальянский живописец стиля рококо, оказал глубокое воздействие на испанских художников, работая в Испании с 1753 по 1762 год.


Коррадо Джакуинто
Рождение Солнца и триумф Вакха
1761

Полотно является эскизом к фреске для Зала колонн Королевского дворца в Мадриде. Олицетворяющий монарха бог солнца Аполлон летит на колеснице, рядом с ним на облаках представлена величественная богиня Юнона. Взгляды этих персонажей обращены на землю, где бог вина и веселья Бахус торжественно восседает на осле, принимая почести от своей свиты, состоящей из нимф и сатиров. В празднестве участвуют также Диана, богиня охоты, и Венера, символ красоты. Декоративная фреска должна была украшать дворец и возвеличивать испанскую монархию.

ЖИВОПИСЬ НИДЕРЛАНДОВ

Коллекция живописи Нидерландов одна из самых крупных и интересных в музее Прадо. И это неудивительно, учитывая, что с конца XIV и до середины XVI века Нидерланды (в переводе – «Низинные земли») находились под властью испанских Габсбургов. Протестантизм, господствовавший в Северных Нидерландах, привёл в середине XVII к образованию самостоятельного государства — Голландии. Южные Нидерланды — Фландрия осталась под испанским протекторатом. На протяжении XVII века между Фландрией и Испанией существовали самые тесные отношения; контактов же с Голландией почти не было, что и объясняет разную численность собраний фламандской и голландской живописи. На выставке можно увидеть два произведения великих мастеров Старых Нидерландов и работы самых значительных представителей фламандской школы — Рубенса, Ван Дейка и Йорданса.

Рогир ван дер Вейден (около 1400—1464) является представителем «золотого века нидерландской живописи». К сожалению, мастер никогда не подписывал и не датировал свои произведения, так что атрибуция его картин довольно затруднительна.


Рогир ван дер Вейден
Оплакивание
1450

Величие, драматизм, человечность и сопереживание – вот, пожалуй, самые подходящие слова для этой картины. Портрет донатора – заказчика произведения – также присутствует в композиции: на коленях, в молитвенной позе он наблюдает за происходящим, пытаясь приобщиться к таинству действия. Широко распахнувшийся пейзаж на дальнем плане передает новое ощущение пространства, открывшееся в то время художникам Северного Возрождения.

Иероним Босх, Хиеронимус ван Акен (около 1460—1516) – один из самых загадочных художников в истории мировой живописи. Каждая сценка в его картинах, даже самая маленькая и неприметная на первый взгляд, несет в себе определенный смысл, над разгадкой которого до сих пор бьются исследователи.


Иероним Босх
Извлечение камня глупости
После 1490

Картины Босха в современном понимании похожи на ребус: для того чтобы понять – нужно разгадать. Сюжет уходит своими корнями в средневековую историю о лекаре-шарлатане, который избавлял от дури в голове, удаляя оттуда камни. Еще со времен античности камень был символом глупости, а в Нидерландах существовало выражение «Он знает не больше глупых камней». Фраза «иметь камень в голове» во времена Босха означала «быть не в своем уме». На картине шарлатан извлекает из головы простака не камни, а тюльпаны, которые были дороги в Голландии и символизировали «большие деньги» — то есть, «пациента» откровенно обирают. Головной убор «лекаря» в виде перевернутой воронки напоминает по форме шапку, которую перед представлением надевали бродячие фокусники. Для отпущения грехов на операции присутствуют монах и монахиня. Закрытая Библия символизирует Страшный Суд, а изображение виселицы на дальнем плане говорит о неминуемом наказании за глупость и пороки. Прямоугольная рама, в которую вписана вся композиция, сплошь заполнена «готическими» росчерками, затейливо складывающимися в надпись: «Мастер, быстро прооперируй этот камень. Мое имя Лубберт Дас». На нидерландском это имя означало «балда», «простак» и «олух».

Питер Пауль Рубенс (1577—1640) — его называли живописцем королей и королем живописцев. Произведения Рубенса уже при жизни художника ценились на вес золота. В коллекции Прадо хранится более семидесяти полотен мастера и около двадцати картин его мастерской.


Питер Пауль Рубенс
Портрет Марии Медичи, королевы Франции
1622


Питер Пауль Рубенс. Два эскизных наброска к портрету Марии Медичи, королевы Франции

Жена французского короля Генриха IV и мать Людовика XIII, она была регентшей при своем малолетнем сыне и фактически управляла Францией. Ее сложные отношения сначала с мужем, а потом и с сыном объясняются тщеславным характером этой властной женщины. Рубенс должен был украсить Люксембургский дворец полотнами на тему из жизни Марии Медичи. Во время работы над этим заказом и был написан данный портрет. Здесь королеве около сорока девяти лет, но возраст не мешает ей буквально светиться белизною своей изнеженной кожи. Аристократическая бледность лица, обрамленного в кружевной воротник, и рук, украшенных белоснежными манжетами, подчеркнута сильным контрастом с черным траурным платьем. Незаконченная художником работа создает поистине легкое, даже импрессионистическое восприятие этой картины.


Питер Пауль Рубенс, Я. Йорданс
Персей, освобождающий Андромеду
1639—1640

Картина на излюбленный Рубенсом сюжет – еще один повод прославить пышную и цветущую женскую красоту. Андромеду, дочь эфиопского царя, выбрали в качестве жертвы морскому чудовищу, которое долгое время терзало страну. Привязанная к скале, она стояла и ждала своей горькой участи, когда Персей заприметил красавицу и решил спасти. На картине показан самый сладостный момент освобождения. Фигуры влюбленных, подстрекаемые Амуром и Гименеем, доминируют на первом плане, в то время как вдалеке крылатому Пегасу приходится довольствоваться компанией поверженного чудища. Примечательно, что Персей одет в испанские доспехи XVI века, олицетворяя собой короля-победителя (картина была заказана Филиппом IV), да и Андромеда мало похожа на эфиопскую принцессу, являясь, скорее, обобщенным символом женской красоты того времени.

Антонис Ван Дейк (1599—1641) был самым талантливым из учеников Рубенса, и прославился по большей части своими портретами


Антонис Ван Дейк
Портрет мужчины с лютней
1622—1632

Личность изображенного персонажа с точностью пока не установлена. Долгое время считалось, что это портрет лютниста английского королевского двора Якоба Гаультьера, однако стилистические особенности картины говорят о том, что она была написана еще до путешествия Ван Дейка на Британские острова. В то же время, присутствие на картине музыкального инструмента вовсе не означает, что изображенный обязательно должен быть музыкантом. Музыка могла символизировать интеллектуальную деятельность или принадлежность к аристократии.

Якоб Йорданс (1593—1678) также был учеником Рубенса, но пошел другим путем, нежели Ван Дейк: он писал сочные по колориту жанровые и мифологические композиции.


Якоб Йорданс
Мелеагр и Аталанта
1620—1623 (правая часть),
1640—1650 (левая часть)

Сюжет из древнегреческой мифологии как обычно кипит страстями. Юноша Мелеагр зарубил на охоте вепря, но шкура этого зверя стала настоящим яблоком раздора между его невестой Аталантой и родственниками со стороны матери. На картине показан самый драматичный момент, когда вся эта огромная заваруха из могучих тел не может поделить имущество. Масштаб замысла оказался настолько велик, что художнику пришлось писать картину в два захода с перерывом в семнадцать лет. В правой части картины Мелеагр дарит трофей своей возлюбленной, а слева завистливые дяди Мелеагра обдумывают план мести. Гладя на все эти яркие и жизнеутверждающие краски, даже и не скажешь, что скоро грянет битва.

ЖИВОПИСЬ ФРАНЦИИ

Собрание французской живописи в Прадо занимает почетное третье место после итальянской и фламандской коллекции. В XVIII веке, в соответствии с вкусами Филиппа V, внука Людовика XIV, в Испании стали особенно цениться работы французских мастеров. Тогда и были приобретены картины Пуссена и Лоррена. В наши дни французская коллекция музея также продолжает пополняться. Яркий пример – картина Жоржа де Латура «Слепой музыкант с колесной лирой», приобретённая музеем в 1992 году.

Жорж де Латур (1593—1652) — один из немногих французских последователей Караваджо. Его своеобразный стиль отмечен простотой, строгостью и особой трактовкой света.


Жорж де Латур
Слепой музыкант с колесной лирой
1625—1630

 

Образец звучания колёсной лиры

На картине изображен бродячий музыкант, каких было множество на улицах европейских городов того времени. Старик играет на старинном музыкальном инструменте – колесной лире. По форме лира напоминает скрипичный футляр, а звучание струн происходит за счет вращения колеса. Фигура старика дана в крутом развороте, а холодное освещение резко выделяет ее на фоне глубокой тени. Рамки холста кажутся тесными для музыканта, и оттого сам он выглядит еще крупнее.

Никола Пуссен (1594—1665) был не только художником, но и философом. Он стоит на заре классицизма, обосновав этот стиль в своих теоретических трудах.


Никола Пуссен
Святая Цецилия
1628—1629

Святая Цецилия была раннехристианской мученицей, жившей в Риме во II веке. Изначально образ ее никак не был связан с музыкой, но в XV веке в тексте «Страстей Святой Цецилии» прочитали, что ей сопутствовали «звуки музыкальных инструментов» (лат. «sonantibus organis»). Слово «organum» на латинском означает «музыкальные инструменты» в общем собирательном понятии, в то время как в XV-XVI веках это слово понимали как конкретный инструмент – орган. Поэтому Цецилию стали изображать играющей на органе. Этот курьез превратил деву-мученицу в небесную покровительницу искусства музыки. Согласно такой «новой» иконографии в окружении музицирующих путти и представлена Цецилия у Пуссена. «Музыкальная» интерпретация образа позволила говорить и о ритмичности рисунка, и о гармоничности композиции, и о мощном звучании трех доминирующих цветов.

Лоррен (Клод Желе) (1600—1682) был одним из основоположников романтического классического пейзажа. Свою живопись он посвятил прославлению величия природы.


Клод Лоррен
Пейзаж с отшельником
1638

Отшельника на этой картине пытались идентифицировать как святого Онуфрия, или даже святого Павла, забывая при этом, что в лорреновских пейзажах важен не сюжет и не персонаж, а природа. Великолепно переданный гористый ландшафт местности выступает в красноватом свете заката, мельчайшие цветовые нюансы которого необыкновенно тонко переданы художником. Выступающая на передний план темнота, наполовину скрывшая фигуру отшельника, контрастирует с мягкостью рассеянного вечернего света и придает холсту отчетливо романтический характер. Это полотно во многом предвосхищает дальнейшее развитие пейзажной живописи в XIX веке.

Антуан Ватто (1684—1721), сформировавшись в русле фламандской традиции, сумел выработать свой неповторимый и узнаваемый стиль. Его называли певцом «галантных празднеств», подразумевая тему развлечений светского общества, красной нитью прошедшую сквозь все его творчество.


Антуан Ватто
Праздник в парке
1713—1716

Время радости и безудержного веселья наступило во Франции после долгих лет пуританского благочестия, связанных со старостью и болезнями Людовика XIV. В эпоху правления регента Филиппа Орлеанского (1715 — 1723) нравы общества были ничем не скованы, что нашло свое отражение в творчестве Ватто. Персонажи картины довольно праздно проводят время: они гуляют, созерцают, кокетничают. Пейзаж напоминает, скорее, кулисы, обрамляющие сцену праздника жизни. Характерно, что мода того времени вполне отвечала царившим нравам: дамы одеты в широкие платья «волант» со складками на спине, которые, кстати сказать, в истории костюма получили название «складки Ватто» – такой покрой помогал проказницам умело скрывать неожиданную беременность.

ЖИВОПИСЬ ГЕРМАНИИ

Немецкая экспозиция музея Прадо выглядит очень скромной, особенно в сравнении с другими зарубежными отделами – итальянским, фламандским и французским. Более того, почти половина этих картин создана уже знакомым нам по портретам королей художником XVIII века Антоном Рафаэлем Менгсом. И всё же не упомянуть немецкую школу, говоря о музее Прадо, нельзя, хотя бы потому, что там хранятся первоклассные произведения такого мастера, как Альбрехт Дюрер.

Альбрехт Дюрер (1471—1528) воплотил в своем творчестве дух поздней немецкой готики в сочетании с преобразующей энергией ренессансного самосознания, как бы синтезируя два этих мировоззрения. Он работал над своими картинами с редкой тщательностью, и потому его творческое наследие сравнительно невелико, а каждая картина автоматически попадает в список шедевров.


Альбрехт Дюрер
Портрет неизвестного
1521

Еще один портрет неизвестного на выставке дает повод строить догадки о личности изображенного человека. Богатая отделанная мехом одежда, огромный берет по нидерландской моде и свиток в руке говорят о принадлежности к высшей знати и, возможно, занимаемой государственной должности. Существует версия, будто бы это портрет близкого друга Дюрера Виллибальда Пиркгеймера – Нюрнбергского патриция, гуманиста и ученого. Кстати сказать, Виллибальд отличался неукротимым и буйным нравом, что, как утверждают некоторые исследователи, удалось передать художнику в этом портрете. Плотно сжатые губы, суровый и целеустремленный взгляд, чуть раздутые ноздри — все это говорит о сильном упрямом характере, о некоторой вспыльчивости, жесткости и властности. Так или иначе, но портрет этого по всем показателям незаурядного человека дает нам представление об одном из современников Дюрера.

ИСТОЧНИК.

Картина дня

наверх